西方经典艺术的特点是什么？
西方式插花具有西方艺术的特色。它的造型较整齐,多以几何图形构图,讲究对称与平衡,色彩浓烈,用材较多,插作繁密。所选花材有一定礼仪含义.西洋式插花的花色通常艳丽明快,花型规整。西式插花的特点之一是用花量大,色彩丰富。
西方插花的原则和艺术特点
西方插花讲究几何造型，下面就均衡、调和、韵律和意境四个方面探讨它的原则和艺术特点：
（一）均衡
均衡即作品的稳定感，有对称均衡和不对称均衡之分。因为西方插花是规则的几何构图，所以均衡问题很容易解决。为达到均衡常用方法有：
1、将主调花材对称均匀地分布在整个构图上，达到均衡的效果；
2、构图中心部分花材采用花大、色深、排列密、质地厚的花朵，边缘用花材与中心部分相反，这样便突出了主题及重心，达到构图的均衡。
由于西方插花花材用量多，易形成头重脚轻而失去均衡感。故常使用体积较大，质地厚重的广口容器，如陶瓷、金属材料等。大堆头插花和餐桌插花常常利用在中、下部插几朵大花或在基部插一些丝状，穗状叶片等附属物（如松柏类）。利用附属物的自然、飘逸来突出重点，达到均衡、稳定的效果。
（二）调和
调和既有对比又有变化，给人以和谐统一感。插花的调和包括花材之间，花材与花器之间，作品与环境之间等等，这里主要探讨花材之间的调和问题，影响花材调和的主要因素是形和色，其中以色为主，主要有以下四种手法：
1、用同色的同一种花材，色彩上变化不大，仅形状和大小有变化，无对比可言，自然就达到了调和。
2、花材用色调和色相相近的材料，形状上有一定的变化或相近，如红色和粉色，在色彩上自然是调和的。常采用同一种花相对集中和逐渐过渡来解决。
3、形状相同、颜色上使用对比色、如红与白、绿与红、黄与紫等。如构图中两种颜色花材相对均匀布置，或一种颜色相对集中，如亮黄色集中到中部，向外逐渐过渡为紫色，使两种颜色在对比中达到调和。
4、花材无论颜色还是形状都有较大变化，这种情况往往出现在大堆头式插花中。此类作品采取调和的方法是：首先以形和色相协调的较大型花材为主体，数量上占优势。插制时又使其占据主要位置，并分布于构图的各部分，再用白色加以调和。借用丝带，金、银色容器等也有助于调和。
（三）韵律
韵律即有组织有节奏的变化，主要是形和色的变化。西方插花（尤其是大堆头式插花）作品无论在形状和色彩上都要有一批主花（焦点花），然后再配2、3级花（线条花）及配料（补花）。错落有致、层次分明的逐一插制，体现出静中有动、主次分明的韵律。
（四）意境
西方插花直接热烈地表达人们的感情世界。如母亲节用香石竹，复活节用百合花，表达爱情用红玫瑰，月桂枝代表胜利，橄榄枝代表和平等。圣诞节人们都喜欢用一品红为主花、配以绿色的松枝、冬青叶，白色的香石竹和红色的果实，体现出圣诞节火热欢快气氛。
西方绘画艺术概括地讲有两大派，一是写实派或称具象派，认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。随着科学技术的发展，又出现了表现X光、红外光谱、光速、激光照明效果等，用肉眼看不到的内容和画派，意在进一步从画面上体现科学技术的最新成果。二是抽象派。西方艺术贯走极端，艺术家们在对具象写实感到厌倦以后，从印象派开始，仅在数十年内，有些人就从具象这个极端急剧转到抽象——另一个极端。抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作方法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和几何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。随着夸张变形的创作方法越来越走向极端，有些人甚至干脆丢掉画笔搞起了装置艺术、行为艺术。某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现，给正常的艺术发展造成重大干扰和破坏，也必然难以引起观者的共鸣，无法为广大人民群众所接受。
绘画展现的是一个丰富多彩的世界，如同把人带向一片宽阔的用鲜花与绿色织绣出来的原野。在一幅幅画中，各色线条像天籁的旋律，像隐身人的乐舞，更像无形春风，将生命的色彩翻飞，使之高蹈清扬，如音乐的节奏和诗歌的韵律。在绘画的创造上，中国传统一向推崇的是那些不以绘画为专门职业，但擅于绘画的文化人，被称为文人画家的画家，首先应该是一个在文化上有修养的人，同时又具有绘画技能，所以，绘画艺术的最高价值正是隐藏在艺术家无功利的动机之中。绘画本来就是一种源自心灵的感动，这种感动支配了形象的生成，使得画面上的色彩、线条、肌理、结构、空间相互共鸣，与画家的心灵共鸣，继而与观者的心灵共鸣。于是，便产生了一种被中国先哲概括为“天人合一”的绘画——纯粹的绘画。一个人开始动笔作画总有某种原因，对周围的事物表明态度、状物或者抒情，在特定的空间里写出自己目光之所见，在画面上留下物象的身影，甚至也可能就是一种无意识的摹仿，在笔墨的挥洒和折转间，反照和叠变着通向人生的玄思，通向自然万物的情怀。状态出神、联想自由，入神处都在意识的边缘进行，线与面的旋律动向不易料测，时有惊喜的跳跃，皆合心律，最终获得如有神助，不期而遇的回响，成为一个个色彩篇章生命的凝定，冲击着每一位欣赏者的心灵。
中国画往往只是寥寥数笔，但是从这幅画面上你能读到的东西，那可是太多了。所以就像刚才于教授说的，在中国绘画当中，我们指的是真正的中国绘画，有中国文化神韵的中国绘画，你真的可以读出所有东方文化艺术的精要。
从思想者论西方艺术的审美观念
二、从平均透视、焦点透视看东西方艺术选景构图上的差异与借鉴
在选景构图的观念和方法上， 东西方绘画艺术也有着截然的区别。正如北宋《宣和画谱》中言“造化之神秀， 阴阳之明晦， 万里之远， 可得之于咫尺间， 岂非胸中自有丘壑， 发而见诸形容， 未必知此。” (转引自周积寅编著《中国画论辑要》) 中国山水画可以在画面中摄入大角度或更宽广的移步加景的选景构图方法， 有一种拓展通透的全景式把握的居高临下感的观察事物角度和方法。
而西方在选景构图上严格使用焦点透视， 用物理学、光学等科学的眼光设计构图， 更多地给人以科学和凝重之感。这种东西方选景构图观念和方法的截然区分也在19世纪后半叶随着东方艺术品流入西方而得到了改变。德加在他的画中吸收了东方人对空间观念的理解， 为欧洲绘画加入了新的空间观念。【摘要】
从思想者论西方艺术的审美观念【提问】
朋友雷好【回答】
咱从思想方面的话
三、从意境论、印象主义看东西方艺术审美观念的异构与融合
在探讨19世纪后半叶中国山水画与西方印象派的风景画在绘画语言和选景构图的差异与借鉴的过程中， 我们可以明显地感到这些形式的改变源于艺术审美观念的深层次的差异与借鉴。比如支配中国山水画之发展， 艺术家们共同追求的审美准则之精粹的“意境论”, 强调山水画寄画家之情于山水之中， 体现画家个人人格， 希望通过画来寻求精神的解脱， 甚至用以保持个人在精神等方面的坚定， 奋发有为等艺术化的人生道路。
而西方绘画艺术本质上仍是一种对科学的、真实的理解和认识。虽然印象主义对个人审美直感的表现追求多一点， 更重视对光和色彩的理解， 是一种形似的追求， 但它仍是一种为艺术而艺术的精神实质的体现。这是中西方在艺术审美文化在根源上的不同。因此， 二者的相互借鉴是在借鉴可以继续发展本体之纯粹特征的基点之上。正如黄宾虹虽然吸取了印象主义短【回答】
而西方绘画艺术本质上仍是一种对科学的、真实的理解和认识。虽然印象主义对个人审美直感的表现追求多一点， 更重视对光和色彩的理解， 是一种形似的追求， 但它仍是一种为艺术而艺术的精神实质的体现。这是中西方在艺术审美文化在根源上的不同。因此， 二者的相互借鉴是在借鉴可以继续发展本体之纯粹特征的基点之上。正如黄宾虹虽然吸取了印象主义短笔触， 使用纯色打点打皴等入油画般的手法， 但他的目的是使他的山水更能融情于景， 气势磅礴， 更能体现他的情感追求， 更好地去“写意”。【回答】
印象派是法国19世纪下半叶的一个重要的艺术流派。它在相当程度上继承了浪漫主义对色彩的研究和现实主义对真实的表现， 同时还吸收了东方绘画的艺术理念和审美倾向， 一改西方绘画以个体化、精确化、自然化、立体化的艺术理念， 将其逐渐转化为类型化、意象化、装饰化、平面化的表现方式， 使它逐步呈现出了独特的绘画视觉效果。
“正像印象派完成了西洋古典绘画传统的现代转化一样， 中国山水画的古典传统的现代转化也是由黄宾虹完成的。” (王鲁湘编著《黄宾虹》) 虽然对“现代”从不同的角度有着不同的理解， 但我认为所谓的“现代”在文化意义上更趋向于东西方在吸取对方艺术内涵的同时完成对他们各自传统艺术审美观的发展与创新的过程。
“现代”, 不仅是时间的概念， 更是东西方艺术各具特色的不断吸收、融合其他优秀的对美的认识和理解的新艺术观。东西方艺术源于不同的艺术生态环境， 尽管在历史上也曾经历过数次文化冲突和融合，【回答】
虽然对“现代”从不同的角度有着不同的理解， 但我认为所谓的“现代”在文化意义上更趋向于东西方在吸取对方艺术内涵的同时完成对他们各自传统艺术审美观的发展与创新的过程。
“现代”, 不仅是时间的概念， 更是东西方艺术各具特色的不断吸收、融合其他优秀的对美的认识和理解的新艺术观。东西方艺术源于不同的艺术生态环境， 尽管在历史上也曾经历过数次文化冲突和融合， 但艺术面对不断变更的社会环境， 显示出了极强的稳定性和相应程度的借鉴融合精神， 这也正是艺术民族性、本土性特质的彰显。
14
不喜欢【回答】
还有吗？【提问】
其他方面呢？【提问】
一、从线条、色彩的使用看东西方艺术形式语汇上的差异与借鉴
关于中国传统绘画与西方在形式语汇上的区别与相互间的借鉴， 潘天寿说：“线条和明暗是东西绘画各自的风格和优点， 也是东西绘画相互区分的重要所在， 故在相互吸收学习时就更需慎重研究。” (潘天寿《中国传统绘画的风格》) 东方艺术在形式语汇上是属于以线条为主的绘画艺术， 西方艺术在形式语汇上则是以色块明暗为主要语汇， 由于观念领域的自成体系二者相互很难理解认同。

但在19世纪后半叶， 东西方绘画艺术语汇却表现出了相互理解与借鉴的趋势。这主要表现在我国的山水画与西洋印象派的风景画之中。莫奈对光有着极其敏锐地捕捉能力， 水中光的色彩与变化令他沉迷， 他的风景画中总是对光线的炫目的表现。与之前和同时期的西方艺术家们相比， 他第一个走出了完全逼真地再现客观对象的审美标准， 他更多地重视对物体的感觉， 用他感觉中的物体的颜色， 一个个的色块【回答】
色条来记录所看到的、所感受到的东西。
这种表现黄宾虹曾总结其为“由形似进于神似”。对色彩的使用也更加洒脱， 常常使用未经调配的原色作画， 并非常着意处理颜色间的互补， 这也是后来印象派的基本技法。黄宾虹在晚年时候也常用这种方法作山水画。他喜欢用矿物质颜料如石青、石绿、朱砂、赭石打点作画， 这种鲜亮的、覆盖性很强的实质颜料在墨黑的深色背景上打点与印象派的色彩使用有明显的借鉴的痕迹。【回答】
二、从平均透视、焦点透视看东西方艺术选景构图上的差异与借鉴
在选景构图的观念和方法上， 东西方绘画艺术也有着截然的区别。正如北宋《宣和画谱》中言“造化之神秀， 阴阳之明晦， 万里之远， 可得之于咫尺间， 岂非胸中自有丘壑， 发而见诸形容， 未必知此。” (转引自周积寅编著《中国画论辑要》) 中国山水画可以在画面中摄入大角度或更宽广的移步加景的选景构图方法， 有一种拓展通透的全景式把握的居高临下感的观察事物角度和方法。
而西方在选景构图上严格使用焦点透视， 用物理学、光学等科学的眼光设计构图， 更多地给人以科学和凝重之感。这种东西方选景构图观念和方法的截然区分也在19世纪后半叶随着东方艺术品流入西方而得到了改变。德加在他的画中吸收了东方人对空间观念的理解， 为欧洲绘画加入了新的空间观念。【回答】
同时印象主义的追随者们在组织画面构图时也不再刻板的追求再现物象， 还采取多种物象的拼合， 这是构图的方法逐渐由再现转变为表现的过程。这不仅是方法的问题， 更是西方艺术对东方艺术重表现的艺术观念的领悟与借鉴。但西方绘画艺术中焦点透视的方法对我国同时期山水画空间选景构图的影响却并不明显， 这正可说是两种艺术审美观念在深层次上仍有各自独立性的一个表现。【回答】
而这种观念并没有随着中国西学东渐之风的兴起而得到改变， 虽然20世纪之后绘画艺术教育方式引入中国， 但中国山水画的意境与语汇却依然保持着自身强烈的民族性。而西方对东方构图方法的学习和借鉴也止于一定。东西方之间艺术审美观念的沟通确实只存在于目前看到的这个层面。【回答】
达芬奇的作品《蒙娜丽莎》，为什么能够闻名世界？
达芬奇的作品《蒙娜丽莎》，能够闻名世界是因为达芬奇的绘画技术很高超。另一方面是因为我那里上体现了以人为本为核心的创作理念。还有一个原因是因为他是达芬奇创作的，达芬奇本身就是一个自带流量的天才！而且蒙娜丽莎曾经被偷出卢浮宫，获得了很高的曝光量。因为名气越来越大，争议也越来越多！首先，达芬奇的绘画技术很高超。蒙娜丽莎就像是一个坐在画框后面活生生的人，不管在哪个角度，你都会觉得他在对你微笑。达芬奇发现随着距离变化的不只有大小，还有颜色和清晰度，距离越近物体色彩饱和度越高，轮廓越清晰。距离越远色调越冷，轮廓越模糊。就是利用这种透视法，蒙娜丽莎这幅画后面的天空真实还原了人们在空间上的视觉经验。蒙娜丽莎的微笑着说一遍的神秘也是因为晕涂法，蒙娜丽莎嘴角被模糊，导致微笑没有被固定下来。其次，蒙娜丽莎体现了以人文为核心的创作理念。蒙娜丽莎是第一幅为平民创作的肖像话画，画里面不再是庄严肃穆的神，也不再是面无表情的王公贵族，而是一个面带微笑面容慈祥的直视观众的人，普通人也可以如此美丽，这就是文艺复兴时期的人性。另外，正因为是达芬奇创作的，所以蒙娜丽莎才会有如此高的知名度。达芬奇是一个天才，他上知天文地理，下知飞机坦克，他的知名度非常高，也非常有话题，用现在的话说，就是达芬奇是一个自带流量的人。其次，就是蒙娜丽莎曾经被偷出卢浮宫，后来又找回来了，这件事传遍全球，获得了很高的曝光度，这个小偷其实就是达芬奇的老乡。当初蒙娜丽莎被偷了之后，引起全世界一片哗然。后来卢浮宫那个本来挂蒙娜丽莎的挂钩都吸引很多人来参观，后来蒙娜丽莎被找到了，又挂回了卢浮宫，两天之内就引来十多万人参观。就这样，蒙娜丽莎瞬间火了！后来，因为它的名气越来越大，导致它的争议也越来越多！蒙娜丽莎的知名度也越来越高！
达芬奇的画作《蒙娜丽莎》是如何成名的？
《蒙娜丽莎》是著名的肖像画杰作。以达芬奇的最高艺术成就为代表，成功塑造了资本主义上升时期一个城市生产阶级的女性形象。画中人物坐姿优雅，微笑微妙，背景算术深沉而茫茫，生动地发挥了画家奇异表演般的“无限渐变着色法”般的笔法。除此之外，还有大胆的推测，例如根据女性的眼睛形状，可能患有肿瘤，根据着装外形，可能是妓女。像你这样问达芬奇画蒙娜丽莎是什么？也许人生中有真实人物，他的灵感突发，他喝多了，他生病了，总的来说，像传说中的艺术家和科学家一样，达芬奇去了那里。中世纪的鲍比欧以修道院闻名。《蒙娜丽莎》图中的背景大桥位于被美国作家海明威誉为世界上最美的地方的特雷维亚河上。画家努力将人物丰富的内心情感和美丽的外形巧妙地结合在一起。对于脸上眼角、嘴唇等表现情感的关键部位，也特别重视把握正确含蓄的辩证关系。所以蒙娜丽莎的微笑有着神秘的千古气息。像那个梦一样迷人的微笑被很多美术师称为“神秘的微笑”。美国耶鲁大学解剖学教授谢文纽兰声称发现了蒙娜丽莎微笑背后的真正秘密。蒙娜丽莎脸上总是带着那种神秘的微笑，是因为画中的主人公当年成为达芬奇的模特时刚好怀孕了。因为母亲对新生命诞生的喜悦的脸上出现了那种神秘的微笑。洛伦萨丝绸商人弗朗西斯科吉奥康杜的妻子。层层证明，蒙娜丽莎的原型自然呈现出来，到今天为止，人们对蒙娜丽莎神秘的微笑抱有强烈的好奇心，被称为达芬奇的代表作也不足为奇。达芬奇受人文主义思想的影响，致力于表达人的情感。在构图上，达芬奇改变了画肖像画时使用侧面半身或胸部的习惯，正面的半身像构图、透视点略微上升，构图变成金字塔形，使蒙娜丽莎看起来更加端庄和平静。
